DISCLOSURE DAY: ¿Otra vez más de lo mismo?

En un futuro no muy lejano, la humanidad está a punto de describir la verdad sobre la existencia de extraterrestres, un secreto que ha permanecido oculto durante varias décadas. Mientras millones de personas se preparan para recibir la revelación, algunas viejas creencias se ven cuestionadas, y la forma en la que entendemos el universo empieza a cambiar. Entre conspiraciones, avances de la tecnología y encuentros inesperados, la revelación promete cambiar vidas, relaciones y la propia percepción de nuestro lugar en el universo para siempre. Nos estamos refiriendo a Disclosure Day (El día de la revelación), un mediocre filme estadounidense estrenado en junio del 2026, dirigido y producido por Steven Spielberg, con guion de David Koepp basado en una historia nada original de Spielberg, repetitivo hasta el cansancio, Mientras el mundo se encuentra al borde de la Tercera Guerra Mundial, el Dr. Daniel Kellner (Josh O'Connor), especialista en ciberseguridad, roba de la Corporación Wardex, una rama secreta del gobierno estadounidense, una pieza de tecnología extraterrestre y archivos relacionados que detallan varios eventos de contacto humano-alienígena desde el incidente de Roswell. El director ejecutivo de Wardex, Noah Scanlon, descubre el robo y acusa a Daniel de ser un espía extranjero, convirtiéndolo en objetivo de las autoridades federales. Daniel se esconde en un convento con su novia, Jane Blankenship. Mientras en Kansas City, la meteoróloga Margaret Fairchild se prepara para ir a trabajar cuando un cardenal entra volando en su casa, la observa brevemente y luego se va. El incidente despierta en ella habilidades psíquicas latentes, permitiéndole comprender intuitivamente los pensamientos y emociones de los demás, y comunicarse inconscientemente en idiomas que nunca ha aprendido. Durante una transmisión meteorológica en vivo, Margaret comienza a hablar inesperadamente en un idioma desconocido. Las imágenes de la transmisión se vuelven virales y llaman la atención de Wardex, que identifica el idioma como de origen extraterrestre. Tras ser hospitalizada y casi capturada por los agentes de Scanlon, Margaret también se esconde. Daniel le revela a Jane los archivos robados, explicándole que Wardex ha estado experimentando con cautivos alienígenas y aplicando ingeniería inversa a su tecnología, y declara su intención de hacer pública la información. Daniel se entera de la existencia de Margaret y descubre que es el único que puede comprender el idioma alienígena que ella habló en la transmisión. Mediante un dispositivo alienígena que le otorga capacidades telepáticas, Scanlon establece un vínculo psíquico con Jane y lo usa primero para que ella intente matar a Daniel, y luego para rastrearlos hasta un hotel. Jane escapa con otro dispositivo alienígena, también robado por Daniel, pero este es capturado. Mientras tanto, a medida que sus habilidades se desarrollan, Margaret recibe visiones de Daniel y los sigue hasta una instalación secreta donde lo mantienen retenido. Escapan cuando Margaret aprende a usar sus habilidades para influir empáticamente en sus perseguidores y hacer que se rindan. Uno de los hombres de Scanlon que no se ve afectado, Casper Boyd, estrella intencionalmente su auto contra el costado de un tren de carga que pasa. Daniel saca a Margaret justo a tiempo para que puedan subir al tren y ponerse a salvo. Margaret y Daniel son rescatados por un equipo de empleados de Wardex que se han convertido en informantes. Su líder, Hugo Wakefield, quien ha estado trabajando con Daniel, los resguarda en un almacén que contiene una reconstrucción de la casa de la infancia de Margaret y la anima a recuperar recuerdos reprimidos relacionados con el fenómeno extraterrestre. Allí, Margaret recuerda que ella y Daniel fueron abducidos por extraterrestres cuando eran niños y sometidos a experimentos que les otorgaron sus poderes, mientras Margaret cantaba para dormir la canción de Cenicienta y cuando caminaba en ella en la nieve pensando que la nave alienígena era la casa de Hansel y Gretel. También descubre que los extraños animales que han aparecido a lo largo de sus vidas son extraterrestres que adoptan formas inofensivas para observarlos que escogieron la forma de cardenal, ciervo, zorro y mapache. Margaret y Daniel, acompañados por los informantes, regresan al estudio de televisión de Margaret para realizar una transmisión pública que llaman el "Día de la Revelación". Scanlon y su equipo intentan detenerlos, desactivando la red eléctrica y el generador de respaldo de la estación, pero Jane llega y le da su dispositivo a Margaret, quien lo usa para restablecer la energía. Derrotado, Scanlon decide observar en lugar de seguir intentando detenerlos; Boyd se va furioso. La transmisión revela al mundo atónito evidencia histórica de encuentros con extraterrestres y los encubrimientos gubernamentales subsiguientes. Mientras la transmisión llega a una audiencia global, deteniendo la guerra inminente, los informantes revelan la identidad de uno de los extraterrestres que liberaron. El extraterrestre le susurra un mensaje a Daniel, quien se lo transmite a Margaret. Con el mundo observando, Margaret se prepara para entregar el mensaje, diciendo: "Escuchen". Protagonizada por Emily Blunt, Josh O'Connor, Colin Firth, Eve Hewson y Colman Domingo, desde su estreno ha recibido muchas críticas, y si bien consideran que no es la peor película del año, bien podría ser la más decepcionante. Para empezar, está dirigida por Steven Spielberg. Además, trata un tema que le ha obsesionado a lo largo de su carrera: la llegada de extraterrestres a la Tierra. Abordó el tema por primera vez en Firelight, una película que realizó siendo adolescente en 1964. Retomó la temática en 1977 con su obra definitiva sobre OVNIS, "Encuentros cercanos del tercer tipo", y la ha retomado varias veces desde ese momento, como en "E.T., el extraterrestre". Cuando se lanzó el escalofriante tráiler de Disclosure Day - que incluía el crédito "historia de Steven Spielberg", sugiriendo lo mucho que le importa esta premisa -, muchos esperábamos que el cineasta, a sus 79 años, nos ofreciera una obra maestra que culminara su carrera: su última y profunda reflexión sobre una cuestión que ha ocupado sus pensamientos e investigaciones durante la mayor parte de su vida. ¿Pero qué nos ofreció en su lugar? Un thriller endeble y anticuado, lleno de persecuciones automovilísticas y sin ninguna idea nueva sobre los extraterrestres que no hayamos escuchado ya. Al parecer, para Spielberg el mundo no ha evolucionado desde el estreno de "E.T., el extraterrestre". En esencia, Disclosure Day se trata un episodio sin gracia de "Los expedientes secretos X" o una historia más convencional de "Una batalla tras otra", en la que unas personas que no nos importan son perseguidas por otras personas que tampoco nos importan. Pero hay un problema argumental desconcertante de la película. Y es que su mayor misterio no tiene que ver con los extraterrestres, sino con la razón por la que Wakefield le dedica tanto tiempo y esfuerzo a construir... una maqueta de una casa a tamaño real. Disclosure Day podría no resultar tan insatisfactoria si uno comparte el optimismo ingenuo que Spielberg le imprime; además, cuenta con secuencias de acción coreografiadas con maestría, aunque a veces recuerden a las viejas y recicladas aventuras de Indiana Jones. Por ello, la primera frase que pronuncia Firth resulta profética: "Bueno, todo esto es bastante decepcionante". Los temas principales - si pueden coexistir los alienígenas y una deidad suprema, y por qué es importante la empatía - se transmiten a través de soporíferos personajes que pronuncian discursos largos y pulidos al respecto. Y su tesis sobre la vida extraterrestre carece tanto de inspiración que uno pensaría que Spielberg le dedicó apenas unos minutos de reflexión, y no varias décadas. No voy a revelar el final, pero hay muy poco en la película que no apareciera ya en el tráiler... y muy poco que no estuviera presente en "Encuentros cercanos del tercer tipo" de hace casi 50 años. Por lo visto, a Spielberg se le acabo la imaginación.

RESIDENT EVIL (2026): Sobrevivir en medio del caos

Sony Pictures ha revelado el primer tráiler de Resident Evil, una nueva adaptación cinematográfica del popular videojuego de Capcom que apuesta por una reinvención dentro de su propio universo. Dirigida y coescrita por Zach Cregger (Barbarian, Weapons), la película llegará a los cines el próximo 18 de septiembre y propone una historia original que se aleja de los personajes clásicos para centrarse en una nueva perspectiva del brote en Raccoon City. A diferencia de entregas anteriores, esta nueva versión no incluirá figuras icónicas como Leon S. Kennedy o Jill Valentine. En su lugar, el relato introduce a Bryan, un mensajero médico interpretado por Austin Abrams. Según la sinopsis oficial recogida por The Hollywood Reporter, el protagonista se ve envuelto en una carrera por la supervivencia, llena de acción y sin pausa, mientras una noche fatídica y aterradora colapsa a su alrededor en medio de la confusión. En el adelanto, el personaje se refugia en una vivienda aparentemente abandonada tras sufrir un percance con su vehículo. La escena, marcada por una atmósfera inquietante y silenciosa, anticipa el peligro que acecha en cada rincón. “Algunas cosas han pasado”, se le oye decir en una llamada con su novia, con la voz tensa. “Quizá no volvamos a hablar nunca otra vez”. Uno de los aspectos más destacados de Resident Evil es la forma en que Zach Cregger aborda la relación con el material original. Lejos de adaptar directamente una historia de los juegos, el cineasta opta por crear un relato independiente que conserve la esencia del universo. Esta decisión responde, según el propio realizador, a evitar comparaciones inevitables con los títulos originales: “Sentiría que no hay forma de ganar si contara la historia de Leon, porque los juegos hacen un trabajo tan bueno. Sería redundante y, en última instancia, decepcionante”, explicó en una entrevista con PlayStation Blog. No obstante, el cineasta detrás de Weapons resaltó que los fans se sentirán satisfechos con la película por el uso de sus elementos característicos: la progresión de armas, la gestión de recursos y la tensión constante del survival horror. “Si amas los juegos, sentirás su influencia en todas partes en la película”, afirmó durante una presentación en CinemaCon. Al comparar este proyecto con sus trabajos anteriores, Cregger señaló que la película no tendrá “saltos temporales o cambios desorientadores en la narrativa”; por el contrario, el punto de vista seguirá por completo el recorrido del protagonista en el entorno amenazante que lo rodea. Además de Abrams, el elenco incluye a Zach Cherry, Kali Reis y Paul Walter Hauser. El guion fue escrito por Cregger junto a Shay Hatten, mientras que la producción cuenta con el respaldo de Constantin Film, Vertigo Entertainment y PlayStation Productions, entre otros. Como sabéis, la saga Resident Evil tiene un largo recorrido tanto en videojuegos como en la gran pantalla. El primer título se lanzó en 1994 para PlayStation y dio inicio a una de las franquicias más influyentes del género, con múltiples secuelas y remakes a lo largo de las décadas. En el cine, la propiedad ha generado varias adaptaciones. La más conocida es la saga protagonizada por Milla Jovovich, que comenzó en el 2002 y se extendió por seis películas hasta el 2017, con una recaudación superior a los 1.200 millones de dólares en taquilla global, según datos de Variety. Posteriormente, en el 2021, se estrenó el reinicio Resident Evil: Welcome to Raccoon City, dirigido por Johannes Roberts. Resident Evil se estrenará en cines el 18 de septiembre y presenta un enfoque innovador al alejarse de los personajes icónicos de la saga. Anteriormente, el director comentó que tenía "carta blanca" para hacer lo que quiera y, definitivamente, el tráiler transmite eso al mostrar algo tan diferente. Sin conexiones con S.T.A.R.S. ni experiencia militar, esta narrativa busca intensificar la tensión y el realismo, resaltando la fragilidad de un ciudadano común en medio del caos.

LEE CRONIN´S THE MUMMY (2026): ¿La nueva versión de un clásico?

Cuando pensamos en los Monstruos Clásicos de la Universal, aquellos que marcaron la industria del cine en la primera mitad del siglo XX, son muchos los que se nos vienen a la cabeza: Drácula, Frankenstein, El hombre lobo y, obviamente, La momia entre muchos otros. Como sabéis, la emblemática película de 1932 protagonizada por Boris Karloff sigue siendo muy recordada por los fanáticos del terror, con un monstruo que con el paso de las décadas ha destacado más en torno al cine de aventuras y las películas protagonizadas por Brendan Fraser, que con el género que le dio origen. Ahora llega 'La momia de Lee Cronin‘, dirigida por el director homónimo autor de ‘Posesión infernal: El despertar, y que se estrenará el próximo 17 de abril. La película ya ha publicado su tráiler oficial, y cuenta con el apoyo de productoras como Blumhouse, Atomic Monster de James Wan y New Line Cinema, con Warner Bros. como distribuidora. Como podéis imaginar, se trata de una película sobre el clásico monstruo que se diferencia de otras en base a un argumento terrorífico, en el que la hija desaparecida de una pareja es encontrada con vida ocho años más tarde, y a partir de ahí el misterio se desarrollará. Al respecto, la sinopsis de ‘La momia de Lee Cronin’ dice lo siguiente: “Nueva versión del clásico ‘La momia’. La joven hija de un periodista desaparece en el desierto sin dejar rastro. Ocho años más tarde, la familia rota se conmociona cuando ella es devuelta a ellos, y lo que debiera haber sido una reunión jubilosa se convierte en una auténtica pesadilla”. Katie ha pasado todo este tiempo en un lugar de lo más extraño. "¿Qué hacía nuestra hija dentro de un sarcófago de hace 3.000 años?", pregunta el padre. Al parecer, ella no es la única y más personas han sido encontradas en la misma situación. Cabe precisar que ‘La momia de Lee Cronin’ llega luego del fracaso que supuso La momia (2017) protagonizada por Tom Cruise, un proyecto de Universal. El filme, que buscaba modernizar la saga, destruyó todo un universo cinematográfico de películas lideradas por los monstruos más míticos del cine que se pensaba realizar. Aunque recaudó 409.2 millones de dólares con un presupuesto de 125 millones de dólares, las críticas fueron nefastas. Pero esta nueva versión también aterriza cuando Universal ha confirmado que ya están desarrollando La momia 4 con los regresos de Fraser y Rachel Weisz. La pareja de actores protagonizó la saga más reciente, que comenzó con La momia (1999) y continuó con El regreso de la momia (2001). Solo Fraser volvió en la tercera entrega La tumba del emperador dragón (2008). Por lo visto, Universal no se da por vencida con La momia, mientras Warner Bros. ha sabido encontrar una forma original y diferente de modernizar el clásico. La momia de Lee Cronin cuenta, además, con la productora Blumhouse y el nombre de James Wan, uno de los grandes directores actuales del género de terror.

MASTERS OF THE UNIVERSE: La batalla final

El poder de Grayskull vuelve a rugir en pantalla grande. En efecto, Masters of the Universe acaba de lanzar su primer tráiler completo y, ojo, porque no es solo nostalgia bien peinada: hay músculo, épica y una lectura sorprendentemente terrenal del mito. ¿Listo para volver a Eternia con espada en mano? Desde el primer plano queda claro que la película no se conforma con repetir estampas conocidas. Masters of the Universe quiere presentarse como un espectáculo moderno que dialoga con el pasado sin quedarse anclado en él. Y lo hace empezando por un Adam muy poco heroico… hasta que todo estalla. El tráiler abre con Adam Glenn, interpretado por Nicholas Galitzine, atrapado en un trabajo anodino de oficina, soñando despierto con mundos imposibles. Su compañera Suzie, a la que da vida Sasheer Zamata, le baja a tierra con comentarios tan reales que casi duelen. Nada de épica… todavía. Ese contraste funciona sorprendentemente bien. El mundo cotidiano es aburrido, rutinario, casi opresivo, y eso hace que el momento en el que Adam encuentra la Espada del Poder resulte aún más potente. En segundos, la realidad se quiebra y Masters of the Universe da el salto a la fantasía sin pedir permiso. El regreso a Eternia no es un capricho, es una llamada pendiente desde la infancia. Adam fue enviado lejos para protegerlo, decisión tomada por el rey Randor y la reina Marlena, interpretados por James Purefoy y Charlotte Riley. El reencuentro promete emociones a flor de piel. Cuando Adam invoca el poder de Grayskull, la transformación en He-Man es directa, física y contundente. Aquí no hay medias tintas: el tráiler subraya el peso del legado y la responsabilidad que conlleva. Ser He-Man no es solo fuerza, es cargar con un mundo al borde del colapso. La puesta en escena se recrea en los detalles sensoriales: la espada brillando, la energía recorriendo el cuerpo, el sonido grave que acompaña la metamorfosis. Masters of the Universe entiende que este momento es sagrado y lo trata como tal. Pero Eternia no está sola. Adam se reúne con Man-At-Arms, Teela y la Hechicera, formando un núcleo clásico que respira respeto por el material original. Idris Elba aporta presencia y autoridad como Man-At-Arms, mientras Camila Mendes da una Teela decidida y combativa. La Hechicera, interpretada por Morena Baccarin, aparece envuelta en un aura casi mística, como si cada palabra tuviera peso ancestral. El equilibrio entre personajes parece claro: nadie está ahí de adorno. Pero si hay un momento que se queda grabado es la primera aparición de Skeletor. Jared Leto ofrece una versión oscura, amenazante y muy consciente de su poder. Su rostro esquelético no busca simpatía, busca dominación. El tráiler también deja ver a Evil-Lyn, Beast-Man y Spikor, configurando un bando villano que no parece improvisado. Alison Brie aporta una Evil-Lyn elegante y peligrosa, más calculadora que explosiva, lo que añade capas al conflicto. Aquí Masters of the Universe juega bien sus cartas: no presenta a Skeletor como un villano de opereta, sino como una fuerza organizada, estratégica y brutal. La sensación es clara: Eternia está realmente en peligro. Para entender el impacto de Masters of the Universe hay que mirar atrás. La franquicia nació en 1982 de la mano de Mattel, en plena explosión del merchandising y la animación televisiva. He-Man y compañía dominaron estanterías, pantallas y conversaciones durante años. La línea de juguetes, la serie animada y más tarde She-Ra convirtieron Eternia en un fenómeno cultural. No era solo acción; era imaginación desatada, mundos imposibles y villanos memorables. Esa herencia pesa, y la película lo sabe. En años recientes, el universo volvió a tomar fuerza con Masters of the Universe: Revelation, producida por Kevin Smith para Netflix, demostrando que la marca sigue viva y con ganas de guerra. La dirección corre a cargo de Travis Knight, conocido por su trabajo en Laika y por haber firmado Bumblebee. Su estilo, muy atento a lo visual y al corazón de los personajes, parece encajar como un guante en Masters of the Universe. El guion, firmado por Chris Butler, los hermanos Nee y Dave Callaham, apunta a un equilibrio entre aventura clásica y sensibilidad moderna. No se trata de reírse del pasado, sino de traducirlo a un lenguaje actual sin perder alma. Masters of the Universe llegará exclusivamente a los cines el 5 de junio del 2026. Sí, queda tiempo, pero este primer tráiler deja claro que la espera puede merecer la pena. Hay escala, hay respeto y, sobre todo, hay intención de contar algo más que golpes y rayos láser. La gran pregunta queda en el aire: ¿será suficiente el poder de He-Man para salvar Eternia? El tráiler no da respuestas fáciles, y eso se agradece. Aquí se intuye conflicto, sacrificio y decisiones difíciles.

THE GRINCH 2: La secuela que se hace esperar

De vez en cuando, se lanza una actualización que entusiasma a los fans , sobre todo cuando involucra a uno de los personajes navideños más queridos de todos los tiempos. The Grinch 2 acaba de recibir una sorprendente actualización recientemente, y aunque los detalles aún son un secreto, su sola mención ha despertado un gran revuelo en internet. La idea de que Jim Carrey vuelva a ponerse ese traje verde peludo resulta nostálgica e imposible a la vez. Aun así, los rumores de movimiento entre bastidores son suficientes para que cualquier fan de The Grinch, aquel que robó la Navidad se ponga en pie y preste atención. Como sabéis, cuando se estrenó en cines en el año 2000, la transformación de Jim Carrey en la criatura gruñona pero adorable del mundo del Dr. Seuss se convirtió en un clásico instantáneo. La película recaudó más de 345 millones de dólares en todo el mundo, convirtiéndola en una de las películas navideñas más taquilleras de todos los tiempos. No solo fue un éxito financiero, sino que se convirtió en una tradición anual para millones de familias. La actuación de Carrey se movió a la perfección entre lo escandaloso y lo sincero. Aportó humor, tristeza y una emoción sorprendentemente profunda a una historia que fácilmente podría haber sido una película infantil más. Han pasado dos décadas, pero su versión del Grinch sigue siendo la definitiva. Como era de esperar, El Grinch sigue siendo uno de los grandes éxitos navideños de la Universal. La mercancía con la sonrisa traviesa de Carrey se agota cada Navidad: desde peluches y pijamas hasta adornos y sudaderas. Precisamente, en Universal Orlando Resort, el Grinch prácticamente es Navidad. Cada año, Seuss Landing se transforma en Whoville, donde los fans esperan horas solo para conocer al mismísimo Grinch. Y no a cualquier Grinch, sino al que está inspirado en la versión de Carrey. La energía sarcástica y ligeramente desquiciada que los actores en vivo transmiten en su actuación ha convertido este encuentro en una experiencia navideña imprescindible. Está claro que luego dos décadas, el Grinch de Jim Carrey no solo ha perdurado, sino que se ha convertido en la imagen de toda la temporada navideña de la Universal. Así que no sorprende que los fans nunca hayan dejado de preguntarse: ¿podría haber algún día un Grinch 2? Las especulaciones al respecto comenzaron a circular en el 2023, cuando comenzaron a circular en línea falsos "anuncios" que afirmaban que Universal estaba desarrollando en secreto una secuela con Jim Carrey. Las redes sociales difundieron la idea y, durante semanas, los fans debatieron, sobre todo, desde las posibles tramas hasta quién podría regresar del reparto original. Pero resulta que nada de eso era real. Universal nunca confirmó nada, y el propio Carrey desestimó los rumores. Durante años, dejó muy claro que no le interesaba retomar viejos papeles, especialmente uno que requería tanto tiempo, energía e incomodidad física. Carrey explicó una vez que interpretar al Grinch fue un proceso insoportable. El maquillaje le llevó casi ocho horas, incluyendo prótesis, lentes de contacto y un enorme traje verde que lo dejaba sudando y sin aliento. Incluso dijo que se sentía como si lo enterraran vivo todos los días en el set. Entonces, cuando los fanáticos comenzaron a presionar para una secuela, la respuesta de Carrey fue simple: “no”. Eso es lo que hace que el 2025 sea tan interesante. Durante el último año, la postura de Jim Carrey sobre las secuelas parece haberse suavizado. Tras años evitándolas por completo, sorprendió a los fans mostrando entusiasmo por continuar ciertas franquicias, en particular la serie Sonic the Hedgehog. En ella Carrey interpreta al villano Dr. Robotnik en esas películas, y a pesar de haber insinuado previamente su retiro, ha estado completamente comprometido en las últimas tres películas. En enero, incluso declaró que estaría abierto a la cuarta entrega si la historia le parecía adecuada. Ese cambio de actitud lo dice todo. Sugiere que Carrey ya no se muestra tan reacio a revisitar personajes icónicos, siempre que la dirección creativa le entusiasme, y eso da una pequeña chispa de esperanza a los fans del Grinch que llevan décadas soñando con una secuela. Parte de la indecisión inicial de Carrey se debía a la dolorosa rutina de maquillaje. El actor describió el proceso como tan brutal que Universal contrató a un agente de la CIA para que lo entrenara en técnicas de resistencia a la tortura. Esa no es precisamente la clase de experiencia que te anima a apuntarte a una segunda ronda. Pero ahora, las cosas son diferentes. Los avances en efectos digitales y prótesis modernas podrían facilitar mucho la transformación. La tecnología del maquillaje ha avanzado mucho desde el año 2000, lo que significa que hoy Carrey podría retomar el papel sin tener que soportar las mismas condiciones de "dificultad para respirar" que antes. Ese cambio por sí solo podría hacer más atractiva la idea de un regreso. Si el proceso es más rápido, seguro y cómodo, existe la posibilidad de que Carrey vea la secuela no como una pesadilla, sino como una oportunidad para revisitar uno de sus papeles más icónicos de una manera nueva. ¿Podría El Grinch 2 realmente suceder? Esa es la pregunta que todos se hacen. Luego de 25 años, las probabilidades de una verdadera secuela parecen escasas, pero no imposibles. Universal conoce el poder de la nostalgia, y El Grinch sigue siendo una de sus propiedades navideñas más rentables . Entre las ventas de merchandising, las apariciones en parques y los picos anuales de streaming, el personaje sigue generando ingresos cada diciembre. La disposición de Jim Carrey a considerar secuelas de nuevo hace que El Grinch 2 sea más realista que en años. Se necesitaría la historia adecuada, el equipo creativo adecuado y un guion que le dé verdadera fuerza al proyecto. Aun así, el tiempo no está precisamente del lado de Universal: Carrey ya tiene poco más de 60 años, y la ventana para retomar el papel físicamente se está agotando. Sin embargo, si Hollywood ha demostrado algo, es que incluso los regresos más inesperados pueden ocurrir. Con la combinación adecuada de nostalgia y tecnología, un Grinch 2 moderno podría capturar fácilmente la misma magia que convirtió a la original en un fenómeno. Aunque no hay confirmación ni fecha de estreno, esta última actualización del 2025 basta para mantener viva la esperanza. Los fans han esperado mucho tiempo para ver el regreso de Jim Carrey a VillaQuién , y con su renovada apertura a las secuelas, de repente ya no parece tan descabellado. Si la historia encaja, y si la silla de maquillaje se siente un poco menos como una tortura, entonces quizás, solo quizás, El Grinch 2 podría convertirse en algo más que un sueño. Hasta entonces, los fans seguirán viendo la original, citando sus frases favoritas y esperando que algún día - quizás el próximo año - el corazón del Grinch vuelva a crecer tres veces, esta vez, en la gran pantalla.

THANKSGIVING 2: El horror no conoce límites

Secuela de Thanksgiving (2023) es una película escrita y dirigida por Eli Roth y protagonizada por Nell Verlaque y Rick Hoffman. Producida por Spyglass Media Group. Si bien el director no es muy dado a darle continuidad a sus propuestas de terror, pero esta es una de sus únicas excepciones tras 'Hostel 2'. Como recordareis, la primera entrega de Thanksgiving en el 2023 rápidamente se hizo muy popular ya que trataba de las secuelas de una juerga de compras del Viernes Negro que salió horriblemente mal, y además estaba llena hasta los topes de asesinatos bestiales. Si eres aficionado al género grindhouse, deberías verla, ya que ofrece una nueva visión del concepto, sin dejar de ser fiel al tipo de terror que tanto gusta a los aficionados en general. Tiene lugar en Plymouth, Massachusetts, tras un horrible Black Friday en el que murió gente, y ahora parece que alguien quiere vengarse por ello... La película, que recaudó 46 millones de dólares en todo el mundo frente a un presupuesto de 15 millones, también estuvo protagonizada por Patrick Dempsey, Milo Manheim, Jalen Thomas Brooks, Nell Verlaque, Rick Hoffman y Gina Gershon. Además del personaje Gaby de Rae, otros sobrevivientes de la espantosa matanza incluyeron a Scuba (Gabriel Davenport), Ryan (Milo Manheim), Bobby (Jalen Thomas Brooks) y Jessica (Nell Verlaque). Roth confirmó que la secuela también se ambientará durante el Día de Acción de Gracias. Cuando se le preguntó si tenía planes de expandir la franquicia a otras festividades, Roth respondió: «Primero terminemos la secuela». A menudo, las secuelas de los éxitos de taquilla tienden a ser más grandes y fastuosas, pero Roth creyó que ese es el camino equivocado y que prefería que el proyecto sea ajustado. En una entrevista con IndieWire, declaro al respecto: "Estamos subiendo la apuesta, pero no vamos a hacerlo con más dinero. Eso nos mantiene ajustados y nos obliga a tomar decisiones. Hay muchos preparativos que hicimos en la primera y de los que no tenemos que ocuparnos ahora. Todo puede dar sus frutos". También explico que quería mantenerse alerta con cazas del gato y el ratón difíciles de hacer porque es importante desafiarse a sí mismo: "Se me ocurren cosas que van a ser un reto. Y quiero que sea un reto llevarlo a cabo. Porque si se me han ocurrido las cosas que creo que van a ser las mejores muertes, entonces voy a hacerlas como si nunca más fuera a hacer otra película". Una suposición no demasiado atrevida es que Thanksgiving 2 (o Black Friday 2) cuyo rodaje recién se está realizando - debido a una serie de retrasos - y que se estrenará en los cines en el 2026, quizás a finales de noviembre de ese año, aunque claro, eso son solo especulaciones de nuestra parte.

WEAPONS: La hora de la desaparición

Se puede predecir la descomposición de una comunidad por cómo trata a sus niños. Quita la financiación de los programas extraescolares, retira las comidas, paga a los profesores salarios de miseria y espera que un número cada vez más reducido de ellos haga milagros. Y, aun así, nos sorprende que uno de cada cinco niños de entre tres y diecisiete años reciba un diagnóstico de trastorno mental o emocional. Proclamamos que las armas son un derecho otorgado por Dios frente a niños cuyos amigos fueron destrozados por un AR-15 antes de la clase de gimnasia. Según la manera en que guiamos a las generaciones más jóvenes, ya estamos en el infierno. El colapso del bienestar infantil y nuestra incapacidad como adultos de entender cómo sucedió se explora en Weapons, una obra de terror impactante y perturbadora del escritor y director Zach Cregger. Cambiando de registro respecto a su anterior éxito, Barbarian (2022) - una grotesca historia de criaturas marcada por el malestar millennial y el #MeToo -, lo último de Cregger se adentra en el inframundo de la América suburbana, donde los jardines impecables ocultan los secretos encerrados en el sótano. Como tantos maestros del terror antes que él, el director de 44 años maneja con soltura todas las convenciones típicas del género. Utiliza casas espeluznantes, sustos bien temporizados y la intrusión de lo sobrenatural en nuestra rutina para meditar sobre problemas sociales más profundos que conocemos cómo resolver, pero cuya responsabilidad delegamos en poderes superiores que pueden no existir (o, peor aún, que nunca fueron benevolentes). Los esfuerzos de Cregger culminan en un estudio inteligente sobre la juventud no en rebeldía, sino como peones sujetos a fuerzas antiguas y depredadoras. Y sí, da un miedo que no es poca cosa. Si hay una final girl en Weapons, esa es la profesora de primaria Justine Gandy, interpretada por la afilada Julia Garner. Los jerséis de punto y el pixie rubio de Gandy delatan a una persona interiormente desordenada y con bordes irregulares. Propensa a dormir con vodka y con su ex marido (Alden Ehrenreich), la seria dedicación de Gandy hacia sus alumnos se desliza hacia un territorio tóxico, lo que levanta sospechas entre el profesorado - como el director Marcus, interpretado por un sólido Benedict Wong - y la comunidad de padres, representada principalmente por Archer (Josh Brolin), el severo y afligido padre de un hijo desaparecido. La pesadilla que acecha este tranquilo pueblo es un fenómeno extraño que involucra la clase de Gandy. Un mes antes del inicio de la historia, todos los alumnos salvo uno (el joven actor Cary Christopher, como el de ojos abiertos Alex) salieron de sus casas a las 2:17 a.m., con los brazos caídos a los lados, corriendo en una sola dirección. “Nunca se les volvió a ver”, reza el eslogan del póster de la película. Los padres exigen respuestas. La policía es incapaz de darlas. Con los horquillos apuntando hacia la señorita Gandy, que parece tener siempre las llaves del coche entre los dedos fuera de plano, Cregger aplica una estructura narrativa al estilo Rashomon a esta extensión suburbana de timbres WiFi y cerveza ligera. Cada personaje principal ofrece su perspectiva; ninguno logra comprender los problemas que afectan a los niños. Solo cuando adoptamos la altura visual de un niño, el mencionado Alex, podemos empezar a entender los horrores en juego. Y, aun así, lo que vemos resulta casi imposible de creer. La película de Cregger oscila con facilidad entre el suspense adulto y una violencia splatter-punk exagerada (y a menudo hilarante), ofreciendo una experiencia cinematográfica algo más evolucionada que el shock constante de Barbarian. Esto no significa que Weapons muestre moderación. El derramamiento de sangre es abundante, suficiente para despertar la curiosidad sobre cuánto de su escaso presupuesto se destinó a fregonas y cubos. (También está muy cargada hacia el final, cuando la película ha terminado de jugar con su mal central). Pero comparada con Barbarian, Weapons se siente orgánicamente completa, mientras que los giros abruptos de Barbarian funcionan más para atraer al público que su narrativa cuidadosamente construida. Como crítico profesional, me encuentro en la rara posición de no tener clara la frontera entre dar spoilers y ofrecer un contexto básico. Hay mucho de lo que quiero hablar, desde las actuaciones de ciertos actores hasta los horrores cósmicos que son la raíz del terror de la película. Pero, casi hasta un exceso, el trasfondo de Weapons y su misteriosa campaña de marketing casi eclipsan el impacto del trabajo de Cregger. Casi. Weapons llega a los cines con más expectación que un avispero; fue el centro de una feroz guerra de pujas que ha generado su propia leyenda urbana. Según se cuenta, Jordan Peele prescindió de su equipo de representación tras perder los derechos frente a New Line. La veracidad de esto parece menos importante que las implicaciones: si uno de los mayores directores de terror vivos se enfureció por ello, entonces debe de ser realmente buena. Y lo es; Weapons es tan buena que hablar de arte como si fuera un comentarista de ESPN resulta casi inapropiado. El espectáculo de Weapons no radica en qué estudio pagó cuánto, ni debería hacerlo. Lo que destaca es la dirección magistral y elegante de Cregger, junto con las interpretaciones calculadas de su elenco principal - incluyendo a Austin Abrams como un ladrón y yonqui que roba de forma cómica gran parte del segundo acto -, que le dan a Weapons su fama de máquina de matar capaz de animar un verano de terror que de otro modo sería aburrido. Su reflexión metafórica sobre las relaciones familiares tóxicas, el abuso doméstico y nuestra indignante ineptitud para cuidar de los niños solo complementa su contenido sangriento y viscoso. Al fin y al cabo, los niños no están bien. Weapons plantea que lo más aterrador no es arreglarlos, sino saber que nunca lo haremos.

JURASSIC WORLD REBIRTH: ¿Se les acabaron las ideas?

Es indudable que la más reciente entrega de la saga de Jurassic Park tiene un claro olor a rancio.Se esfuerza por ofrecer una “nueva” visión de una fórmula ya desgastada - un escape del acecho de los dinosaurios - que ha recaudado miles de millones de dólares y con la que claramente no se puede jugar demasiado, pero los cineastas debieron haber jugado un poco más con ella y no repetir la trama.En efecto, si bien JurassicWorldRebirth cuenta con grandes estrellas como Scarlett Johansson y Jonathan Bailey, así como con criaturas mejor diseñadas que nunca, ofrece tan pocas emociones que puede que sea la más floja de la saga.Esta séptima entrega en esencia es un relanzamiento de un relanzamiento y sigue el modelo creado por Steven Spielberg en la primera cinta de Parque Jurásico, aquella protagonizada por Sam Neill y Laura Dern hace 32 años. Le siguió una trilogía de JurassicWorld, con Chris Pratt y Bryce Dallas Howard.Y esta del 2025 parecía prometedora. Johansson, tan vibrante como estrella de acción en Black Widow, interpreta a una mercenaria, Zora Bennett, contratada por una gran empresa farmacéutica para recuperar ADN de dinosaurios.Bailey encaja perfectamente en el papel del Dr. Henry Loomis, un paleontólogo inteligente que se une a la peligrosa misión. Él puede identificar a los dinosaurios, que deambulan libremente por una isla tropical abandonada donde los experimentos para crear híbridos salieron mal.En la misión de Bennet, el ADN que busca recuperar se utilizará para crear un medicamento para prevenir enfermedades cardíacas, lo que proporcionará enormes beneficios a la empresa farmacéutica que la contrata.RupertFriend interpreta al villano, el codicioso representante de la empresa, lo que lo convierte instantáneamente en el más propenso a ser devorado por un dinosaurio. Y Mahershala Ali interpreta al confiable colega de Bennett, un marinero contratado para llevarlos a la isla.Pero es un problema cuando la historia principal de una película, repleta de estrellas, se ve eclipsada por la trama secundaria, lo cual es el improbable resultado en JurassicWorldRebirth.Como siempre en una película de esta saga, hay una familia en peligro. Aquí, el padre es Reuben (Manuel García-Rulfo, de la serie de Netflix The Lincoln Lawyer). Está de viaje en barco con sus hijas, Teresa (Luna Blaise), que está en la universidad, e Isabella (Audrina Miranda, muy buena interpretando el miedo), de 11 años, y el novio de Teresa, Xavier (David Iacono).Su historia es la más llena de suspenso desde el principio, cuando su barco es atacado y volcado por un enorme pez dinosaurio —oficialmente un mosasaurio, más grande que una ballena y más feroz que un tiburón— en una secuencia con niveles de peligro similares a los de "Tiburón".Son rescatados por la tripulación de Bennet, pero en la isla se separan. Durante la mayor parte de la película, la trama de la familia discurre en paralelo a la de la expedición, y se desarrolla de forma más a medida que avanzan con dificultad por el bosque, sobresaltándose ante cualquier rugido y descubriendo que lo que parece un tronco de árbol podría ser un dinosaurio durmiendo.Las amenazas son más viscerales para la familia, en parte porque sus personajes podrían ser víctimas en cualquier momento. ¿Qué probabilidades hay de que Scarlett Johansson o Jonathan Bailey sean devorados? Las situaciones peligrosas de las estrellas tienen que ser especialmente tensas para compensar su supervivencia segura, como ocurre en la mayoría de las películas de JurassicPark.Aquí, sus percances no son lo suficientemente aterradores como para mantener a los espectadores en vilo. El director, Gareth Edwards (director de RogueOne: Una historia de StarWars y, más recientemente, TheCreator), no suele situarlos tan cerca de los dinosaurios como a la familia y la acción es mala.Cuando Henry se aferra al borde de un acantilado con la punta de los dedos, se podría pensar generosamente que es un homenaje a muchas cosas, pero resulta ser un cliché. Y Edwards añade algunos detalles que distraen. En dos momentos diferentes, Henry mastica ruidosamente una pastilla de menta, un intento fallido y vergonzoso de hacer humor.El texto al comienzo de la película explica que, en los años transcurridos desde el regreso de los dinosaurios, estos se han visto amenazados por los cambios del medioambiente y también por el "desinterés del público".La frase suena como un pretexto para que el director cree monstruos más grandes y aterradores. Zora y Henry tienen que sedar y obtener ADN de un titanosaurio, el carnívoro más grande que haya existido, y del quetzalcoatlus, un ave voladora, feroz y con pico, así como del mosasaurio, un reptil acuático.Junto con muchas otras criaturas, no son tan aterradoras ni impresionantes, y a veces resultan hermosas de contemplar por su gigantesco tamaño. En un momento dado, vemos a docenas de dinosaurios de cuello largo pastando pacíficamente.La majestuosa música original de John Williams, que el compositor Alexandre Desplat inserta con elegancia en su nueva partitura, se eleva, y podemos sentir el asombro de Loomis mientras contempla a unas criaturas que nunca antes había visto.Pero esa escena, que evoca deliberadamente la sensación de asombro que experimentaron los personajes de Neill y Dern —y el público del cine— al ver manadas de dinosaurios pacíficos en Jurassic Park, es un recordatorio de lo bien que se mantiene la original de Spielberg.De las siete películas, es insuperable a la hora de crear tensión y mantener al público cautivado. Las secuelas han tenido altibajos, sin llegar nunca a igualar a la original en cuanto a emoción pura.Edwards ha dicho que Spielberg le asesoró en la historia y que estuvo "muy involucrado" en la realización de Jurassic Park Rebirth, pero eso obviamente no es lo mismo que dirigirla.Si no se puede mejorar la original, es mejor intentar algo atrevido para evitar que decaiga el interés por los dinosaurios.... mas de lo mismo, ya cansa y aburre. ¿No os parece?

THE PASSION OF THE CHRIST: Una genuina obra de arte cristiano

Se trata de una representación cinematográfica de las últimas doce horas de la vida de Jesucristo en la Tierra, antes de ser crucificado. Cabe precisar que el alma de esta película - rodada en el 2004 - fue Mel Gibson, su director y co-autor del guión, quien la financio con 25 millones de dólares y ha debido defenderla de varios intentos de boicot y de acusaciones injustas y desmesuradas sin sustento alguno. Como sabéis, The Passion of the Christ (La Pasión de Cristo) es ya un hito en la historia del cine. La expectativa – entusiasta o llena de interesada animadversión – que la película suscito antes del estreno, en parte provocada por las polémicas de que fue objeto, como de ser extremadamente violenta para mostrar la maldad de los judíos, ha sido superior a la suscitada por cualquier otra película, a pesar de haber sido boicoteada por las grandes agencias de distribución de películas en manos de poderosas corporaciones judías, quienes nunca le han perdonado a Gibson de mostrarlos en el film como los monstruos que son. Durante la filmación, muchos dudaron que pudiera tener éxito y, sin embargo, rompió esquemas y previsiones. El fenómeno de The Passion of the Christ puede ser considerado en varios niveles: uno, se queda en la crónica cinematográfica; otro, puede detenerse en el análisis de los motivos de la polémica; y, finalmente, como explicación profunda del fenómeno, puede ahondarse en lo que constituye la razón de ser de la originalidad y belleza de esta película: una genuina obra de arte cristiano. 1. Crónica cinematográfica: Bajo la dirección de Mel Gibson, el trabajo de producción y rodaje de la película comenzó el 4 de noviembre del 2002 en Matera y Craco, al sur de Italia, para aprovechar la particular luminosidad de esas semanas de invierno. Las escenas de interiores fueron filmadas, posteriormente, en Roma, en los famosos estudios Cinecittà. Rodada en dos lenguas muertas, latín y arameo, la película no iba a tener subtítulos. Durante meses, Mel Gibson quiso omitirlos con la intención de ofrecer una película lo más fiel posible a la historia real. De este modo, no doblada a ningún idioma, en cualquier rincón del mundo los espectadores asistirían a la pasión de Cristo representada por actores que se expresan en las lenguas habladas de la Palestina de los tiempos de Jesús. Por sí solas, las imágenes deberían ser capaces de contar el drama. Una decisión de este tipo exigió a los actores dar lo mejor de sí mismos. Deberían ser capaces de expresar “todo” sin el auxilio de las palabras. El reparto fue de primer nivel: Jim Caviezel (Jesús), Rosalinda Celentano (Satanás), Maia Morgenstern (María, la Madre de Jesús), Monica Bellucci (María Magdalena), Ivano Marescotti (Pilato), Claudia Gerini (mujer de Pilato) y Luca Leonello (Judas). La intención de Gibson fue mostrar todo exactamente tal cual fue hace 2000 años. Algunos de sus colaboradores y muchos invitados a las proyecciones previas de una versión subtitulada, presentada en privado, dudaban de que, sin subtítulos, pudiera lograrse la admirable síntesis de historia y teología que se alcanza con ellos. Al final, Gibson tuvo que ceder, en beneficio de la comprensión de la película. Una cosa parece cierta: los autores, bajo la dirección magistral de Gibson y quizás estimulados por el reto de deber expresarse sin el apoyo de lenguas inteligibles, han realizado una puesta en escena extraordinaria. La historia se centra en las doce últimas horas de la vida de Jesucristo, desde la agonía en el Huerto de Getsemaní hasta la muerte en la cruz, y está abierta a la resurrección. Se trata – dice el director – de la historia del más grande de los heroísmos, del amor más grande. La historia de un hombre extraordinario que da la vida por los demás; un hombre, Jesús, que los cristianos creemos que es verdadero hombre y verdadero Dios. La historia de quien, consciente y voluntariamente, va a su pasión y muerte para salvar a los hombres de la muerte eterna. Un hombre muere a causa de nuestros pecados y para la redención de los pecados de todos. De todos los pecados. Y en primer lugar, por los pecados de los protagonistas de la pasión: Judas lo traiciona, el Sanedrín lo acusa con mentiras y lo condena injustamente, los discípulos lo dejan sólo, Pedro lo niega tres veces, Herodes se burla de él, Pilatos se lava las manos irresponsablemente, la muchedumbre manipulada pide a gritos su ejecución, los soldados romanos lo flagelan, humillan y crucifican sin piedad. Y entre todos los personajes se mueve la presencia insidiosa de Satanás que desde el Huerto a la Cruz acecha los pasos de Cristo para ver si cede ante los tormentos, si renuncia a su misión. El film intercala algunos “flashbacks” (saltos al pasado) que permiten penetrar en el alma de los personajes y en el sentido de las acciones. Uno de ellos compara la carrera de María, la madre de Jesús, para ayudarlo cuando estaba caído bajo la pesada cruz, y un episodio de la infancia donde se ve a María corriendo con la misma premura para recoger a su pequeño hijo caído tras un tropiezo. En otros nos es descubierta la íntima conexión de la Ultima Cena-Eucaristía y el Sacrificio de la Cruz. En otros, la luminosa vida cotidiana de la Sagrada Familia en Nazaret contrasta con la sordidez de un juicio injusto y amañado, y con la villanía y crueldad de los azotes, insultos y burlas; 2. Polémicas previas al estreno: Durante el verano y otoño del 2003, un borrador de la película fue presentado en los EE.UU. y en Italia a pequeños grupos de católicos y evangélicos, a personajes del mundo religioso y político y a responsables de medios de comunicación. Las presentaciones tenían por objetivo recoger impresiones de los cristianos, calibrar las reacciones y salir al paso de rumores o abiertas acusaciones que habían comenzado a circular. Los productores querían demostrar la falsedad de las acusaciones contra la película “de antisemitismo y de falta de rigor histórico”. Profundamente ofendido, Mel Gibson negó las acusaciones de difamación antisemita hechas a su persona y a la película. Sin haber visto el film, diversas organizaciones judías hicieron declaraciones de este tipo. “Lamentablemente los judíos” -apunta Gibson – “no solo son especialistas en falsificar la historia, sino también tienen un largo historial de confrontación con la Iglesia Católica; siempre se han dedicado a difamar la memoria del Papa Pío XII y para ellos el Evangelio es, en sí mismo, antisemita, cuando ello no es cierto, ya que no se puede ocultar su plena responsabilidad en la muerte de Jesús. Si ellos no quieren reconocer su crimen, lo siento” apuntó. 3. Una obra de arte cristiano: La calidad artística de Mel Gibson es indiscutible, como lo es, también, su adhesión creyente a la fe cristiana y su deseo de ser fiel a la historia evangélica. El resultado de estos ingredientes es una indiscutible obra de arte. “La Pasión de Cristo es una película hecha para inspirar, no para ocultar la verdad. Mi intención al llevarla a la pantalla es crear una obra de arte que quede y motive la reflexión en las audiencias de distintos credos o de ninguno, a los que la historia les es familiar” puntualizó. (Por cierto, la esperada secuela The Passion of the Christ: Resurrection, comenzará a rodarse en agosto de este año en los estudios Cinecittà de Roma. El propio Mel Gibson confirmó que la película contará otra vez con Jim Caviezel como Jesús, y que necesita emplear algunas técnicas de rejuvenecimiento, como la desintegración digital (CGI), en Caviezel, ya que han pasado más de 20 años desde la primera película. Aparte de Caviezel, medios internacionales confirmaron que la película tendrá a la actriz Maia Morgenstern interpretando nuevamente a la Virgen María y a Francesco De Vito como el apóstol Pedro.).

WOLFMAN (2025): Una historia de supervivencia

Se trata de una escalofriante nueva película de Blumhouse que ofrece al público una historia de terror clásica combinada con drama psicológico. En efecto, el director Leigh Whannell - conocido por su trabajo en el thriller de culto The Invisible Man - vuelve a crear una atmósfera tensa en su nueva película, donde cada paso que dan los personajes aumenta la ansiedad del público. Como sabéis, desde la versión de George Waggner para la Universal, la licantropía siempre ha dado buen juego en el cine, con traslaciones en todos los estilos (siempre con el terror de por medio, pero a veces incluso con comedia, véase la ochentera Teen Wolf), y luchando de un modo diverso, de la mano de los mejores efectos especiales de cada época, con la casi obligada representación gráfica del momento de la transformación del ser humano en animal. Quizá consciente de que, en este último sentido, y a pesar del paso del tiempo, es difícil mejorar el impacto que produjeron en su día las metamorfosis de la maravillosamente refrescante Un hombre lobo americano en Londres (1981), de John Landis, y de la fabuladora En compañía de lobos (1984), de Neil Jordan, Whannell ha optado por no intentar competir en esa materia, y centrar su atención en su principal subtexto: el educativo entre padres e hijos, con la ayuda de una prodigiosa intérprete infantil en la crisis de pareja, y en una visión de la familia mucho más actual e igualitaria, según las circunstancias, en la que se intercambian roles con un padre más pendiente de la casa, y una madre agobiada por el trabajo que no se siente lo suficientemente buena y cariñosa progenitora. La historia sigue a Blake Lovell (Christopher Abbott), un hombre de San Francisco que hereda una casa en el campo de Oregón luego de que su padre desaparezca misteriosamente. Cuando decide pasar allí unas vacaciones con su esposa Charlotte (Julia Garner) y su hija Ginger (Matilda Firth), se encuentra con fenómenos de otro mundo. En efecto, en lugar de la paz que desean, la familia se ve obligada a luchar contra una criatura aterradora e impredecible que les ataca. El colofón es la transformación gradual de Blake en una peligrosa criatura, que obliga a su familia a tomar una decisión moralmente difícil: salvar a su marido y padre o huir de él. Aunque la trama contiene algunos elementos interesantes, su línea principal parece demasiado banal para el género de terror. La historia de una casa apartada en la que los personajes se encuentran con algo desconocido y terrorífico es un cliché del cine desde hace mucho tiempo. El desarrollo de los acontecimientos es bastante previsible, y algunos giros argumentales no añaden mucha profundidad ni novedad. Las acciones de los personajes son previsibles, y el final de la película lo es aún más. Christopher Abbott como Blake Lovell ofrece una interpretación convincente, transmitiendo magistralmente el conflicto interior del personaje, incluida la lucha con su propia naturaleza. Julia Garner, como siempre, hace un trabajo brillante en su papel, encarnando la imagen de una esposa que se balancea entre el amor y el miedo a su marido. Su química en pantalla añade credibilidad emocional a la historia. Sin embargo, ni siquiera una buena interpretación puede compensar plenamente las carencias del guión, que limita las posibilidades de un desarrollo más profundo de los personajes. Si en The Invisible Man el director consiguió combinar un thriller de acción con un subtexto social, Wolfman es mucho más simple y menos ambicioso en sus temas. Trata de asustar, y en sus intentos de evocar emociones en el espectador, la película sigue a menudo caminos conocidos, utilizando técnicas que hace tiempo que se han convertido en clichés. A pesar de los defectos del guión, la atmósfera de la película está impecablemente creada. Leigh Whannell, trabajando con maestría la tensión, utiliza con acierto las localizaciones: los remotos bosques de Oregón, con sus valles neblinosos y sus noches sombrías, se convierten en un personaje de pleno derecho en la historia. La constante sensación de aislamiento y peligro se ve reforzada por el juego de luces y sombras, que acentúa la amenaza oculta. La banda sonora y el diseño de sonido complementan con éxito la película, creando una sensación de inquietud incluso en las escenas más tranquilas. Las transformaciones visuales del protagonista son sorprendentes por su realismo y detalle, lo que aumenta la inmersión en el mundo de la película.

GODZILLA: Una advertencia sobre el futuro

Como sabéis, el tan venido a menos Premio Nobel de la Paz 2024 ha sido otorgado a Nihon Hidankyo, de la Confederación Japonesa de Organizaciones de Víctimas de las Bombas Atómicas. Muchos de estos testigos han pasado sus vidas advirtiendo sobre los peligros de la guerra nuclear, pero inicialmente, gran parte del mundo no quería oírlo. “El destino de quienes sobrevivieron a los infiernos de Hiroshima y Nagasaki fue ocultado y descuidado durante mucho tiempo”, señaló el comité Nobel en su anuncio. Para hacer frente a ello, grupos locales de sobrevivientes nucleares crearon Nihon Hidankyo en 1956 para luchar contra este silencio orquestado por los EE.UU. Pero casi al mismo tiempo de su formación, Japón produjo otra advertencia: un monstruo imponente que derribaba Tokio con ráfagas de aliento irradiado: Godzilla. La película de 1954 lanzó una franquicia que desde entonces ha estado advirtiendo a los espectadores sobre el cuidado de la Tierra durante los últimos 70 años. Quedan pocos sobrevivientes para advertir a la humanidad sobre los efectos de las armas nucleares, pero Godzilla sigue siendo eterno. En 1954, Japón había sobrevivido a casi una década de exposición nuclear. Además de los bombardeos de Hiroshima y Nagasaki, el pueblo japonés se vio afectado por una serie de ataques nucleares estadounidenses, como las pruebas en el atolón Bikini. Cuando EE.UU. probó la primera bomba de hidrógeno del mundo en 1954, su devastación llegó mucho más allá de la zona de daño prevista. En efecto, aunque estaba lejos de la zona restringida, un barco pesquero japonés y su tripulación fueron rociados con cenizas irradiadas. Todos enfermaron y un pescador murió en el transcurso del año. La tragedia fue ampliamente cubierta por la prensa japonesa a medida que se desarrollaba. La prueba de la bomba de hidrógeno realizada el 1 de marzo de 1954, produjo una explosión equivalente a 15 megatones de TNT, más de 2,5 veces lo que los científicos habían previsto, y liberó grandes cantidades de desechos radiactivos a la atmósfera. Este acontecimiento se refleja en una escena al principio de Godzilla, en la que unos barcos japoneses indefensos son destruidos por una fuerza invisible. La película está llena de profundos debates sociales, personajes complejos y efectos especiales de vanguardia para su época. Gran parte de Godzilla incluye precisamente a los personajes discutiendo sobre sus responsabilidades: entre ellos, con la sociedad y con el medio ambiente. Pero este llamado de atención, como la película misma, fue prácticamente sepultada fuera de Japón por un alter ego, la estadounidense "¡Godzilla, rey de los monstruos!" de 1956. Los licenciatarios estadounidenses cortaron la película japonesa de 1954, eliminaron escenas lentas, filmaron nuevas imágenes con el actor canadiense Raymond Burr, empalmaron todo y doblaron su creación al inglés con un guion orientado a la acción que escribieron ellos mismos. Esta versión groseramente alterada era lo que la gente fuera de Japón conocía como "Godzilla" hasta que la película japonesa se estrenó internacionalmente por su 50º aniversario, en el 2004. Mientras que “King of the Monsters!” viajaba por el mundo, el original “Godzilla” generaba docenas de secuelas y spin-offs japoneses. Así, el monstruo asesino se transformó lentamente en un defensor de la humanidad en las películas japonesas, a diferencia de las películas posteriores realizadas en los EE.UU. En 1971, un equipo creativo nuevo y más joven intentó definir a Godzilla para una nueva era con “Godzilla vs. Hedorah”. El director Yoshimitsu Banno se unió al equipo de la película mientras promocionaba un documental recientemente terminado sobre desastres naturales. Esa experiencia lo inspiró a redirigir a Godzilla desde los problemas nucleares a la contaminación. La Segunda Guerra Mundial se estaba desvaneciendo de la memoria pública. También lo estaba las masivas protestas de la ANPO de 1959 y 1960, que habían movilizado hasta un tercio del pueblo japonés para oponerse a la renovación del tratado de “seguridad” entre EE.UU. y Japón. Entre los participantes había amas de casa preocupadas por la noticia de que el pescado capturado por el barco pesquero japonés contaminado por la prueba nuclear de 1954 había sido vendido en tiendas de comestibles japonesas. Al mismo tiempo, la contaminación se disparaba. En 1969, Michiko Ishimure publicó “Paradise in the Sea of Sorrow: Our Minamata Disease”, un libro que a menudo se considera un equivalente japonés de “Silent Spring”, el clásico ambiental de Rachel Carson. Las descripciones poéticas de Ishimure de las vidas, como el vertido de metilmercurio por parte de Chisso Corp. en el mar de Shiranui arruinó el panorama y despertó a muchos en Japón ante los numerosos fracasos de su gobierno a la hora de proteger al público de la contaminación industrial. En cuanto a “Godzilla vs. Hedorah”, trata de las batallas de Godzilla contra Hedorah, un extraterrestre que se estrella y crece hasta alcanzar un tamaño monstruoso al alimentarse de lodo tóxico y otras formas de contaminación. La película comienza con una mujer cantando jazz sobre el apocalipsis medioambiental mientras unos jóvenes bailan sin control en un club clandestino. Esta combinación de desesperanza y hedonismo continúa en una película desigual que incluye de todo, desde una toma extendida de un gatito cubierto de aceite hasta una secuencia animada de Godzilla levitándose torpemente con su aliento irradiado. Luego de que Godzilla derrota a Hedorah al final de la película, extrae un puñado de lodo tóxico del torso de Hedorah, mira el lodo y luego se gira para mirar a sus espectadores humanos, tanto a los que están en la pantalla como a la audiencia de la película. El mensaje es claro: no se limiten a cantar perezosamente sobre la inminente fatalidad: recupérense y hagan algo. Si bien “Godzilla vs. Hedorah” fue un fracaso en taquilla, con el tiempo se convirtió en una película de culto. Su posicionamiento de Godzilla entre la Tierra y aquellos que querían hacerle daño resuena hoy en dos franquicias de Godzilla separadas. Una línea de películas proviene del estudio japonés que produjo “Godzilla”. La otra línea está producida por licenciatarios estadounidenses que hacen superproducciones ecológicas que fusionan el ecologismo de Godzilla con el espectáculo de King of the Monsters. De otro lado, el desastre de Fukushima ocurrido en el 2011 ya forma parte de la memoria colectiva del pueblo japonés. La limpieza y el desmantelamiento de la planta nuclear dañada continúan en medio de controversias en torno a los constantes vertidos de agua radiactiva utilizada para enfriar la planta. A algunos residentes se les permite visitar sus hogares, pero no pueden regresar a ellos mientras miles de trabajadores retiran la capa superficial del suelo, las ramas y otros materiales para descontaminar esas zonas. Antes de Fukushima, Japón obtenía un tercio de su energía de esa planta, pero la actitud del público hacia la energía nuclear se endureció tras el desastre, especialmente cuando las investigaciones demostraron que los reguladores habían subestimado los riesgos en el sitio. Aunque Japón necesita importar alrededor del 90% de la energía que utiliza hoy en día, más del 70% del público se opone a la energía nuclear. Al respecto, la primera película japonesa de “Godzilla” estrenada luego del desastre de Fukushima, “Shin Godzilla” (2016), reinicia la franquicia en un Japón contemporáneo con un nuevo tipo de Godzilla, en un eco inquietante de los daños y la respuesta gubernamental al triple desastre de Fukushima. Cuando el gobierno japonés se queda sin líder y en caos tras los contraataques iniciales a Godzilla, un funcionario del gobierno japonés se une a un enviado especial estadounidense para congelar al monstruo antes de que un mundo temeroso desate sus armas nucleares una vez más. Su éxito sugiere que, si bien los gobiernos nacionales tienen un papel importante que desempeñar en los grandes desastres, una recuperación exitosa requiere personas que estén empoderados para actuar como individuos.

ALIEN ROMULUS: La saga está más viva que nunca

Como sabéis, la aparición de Alien supuso una revolución en el género del terror, mezclando ciencia ficción, survival y criatura monstruosa. Ridley Scott se marcó un diez en una película que no envejece con el paso de los años. El acierto fue el efecto sorpresa ante los espectadores, con la creación del xenomorfo como un ser prácticamente indestructible, salvaje y con sangre ácida, que además necesita un huésped humano (o de cualquier especie) para seguir reproduciéndose y evolucionando a gran velocidad. Sin duda, el universo de Alien ha inspirado a numerosos filmes de ciencia ficción, terror y acción espacial. Antes, la mayoría de los títulos de ciencia ficción, solían enfrentarse en planetas ajenos o bien en títulos como Solaris (1972), 2001: Una odisea del espacio (1968) donde el propio enemigo es el ordenador central y asesino de la nave o Atmósfera cero (1981) tratando la locura y la soledad. Detrás del proyecto estuvo Dan O’ Bannen, tras el fracaso de llevar al cine la historia de DUNE con Alejandro Jodorowski, Moebius, Dalí y Giger entre otros grandes nombres, pero finalmente no se realizó y posteriormente terminó en manos de David Lynch. En la mente de O’ Bannen seguía la necesidad de crear una historia con naves espaciales y viajes a otros planetas, y consiguió un guion antiguo que estuvo a punto de llamarse ”StarBeast” , con un equipo creativo visionario que consiguió crear una estética angustiante y una iconografía reconocida, una parte surgió de la mente inquietante de H.R. Giger, el cual diseñó las formas de los xenomorfos, los aspectos visuales de trajes fueron a cargo del famoso dibujante de comics Moebius, y el set como el diseño de naves fueron obra de Ron Cobb, que recientemente había trabajado en La guerra de las galaxias (1997), este grupo de creativos lograron una estética sorprendente y que lo diferenciaba de cualquier filme con naves espaciales, finalmente la dirección cayó en manos de un joven Ridley Scott. Además, aunque inicialmente la tripulación del Nostromo era masculina, al final el mismo usó el concepto de final girl con la creación del personaje de Ellen Ripley, interpretada por Sigourney Weaver, que puso el listón muy alto a las supervivientes femeninas (una evolución similar a la de Linda Hamilton como Sarah Connor en la saga Terminator), y aunque su personaje no sale en todas las películas de la saga, ella es un personaje clave. El filme dejó escenas impactantes, como el momento del descubrimiento de los extraños huevos y el primer ataque del abrazacaras, el brutal nacimiento del alien, el descubrimiento del uso de sintéticos humanoides y los planes corporativos por encima de la seguridad de la raza humana. Además, la nave espacial Nostromo quedó grabada en la memoria colectiva como una de las más míticas de la historia del cine. Cabe precisar que el destino de la saga ha sido bastante irregular, tras la aplaudida Alien: el Octavo pasajero (1979) de Ridley Scott, le siguieron Aliens: El regreso (1986) dirigida por James Cameron, en la que se enviaba una colonia de humanos al peligroso planeta, durante el estado de hipersueño de Ellie Ripley, la única superviviente del Nostromo. Ella era localizada tras 57 años perdida en el espacio desde la nave de fuga Narcissus, Este es el filme más bélico de todos, ya que cuando pierden contracto con la colonia, Ripley debe regresar con un equipo militar para encontrar supervivientes y acabar con los xenomorfos, en esta ocasión viaja en una fragata militar llamada USS Sulaco. Descubren que allí la compañía tenía pleno conocimiento de la existencia de los huevos y estaban experimentando, cuando llegan todo el mundo ha muerto y sólo la pequeña Newt ha sobrevivido oculta. Sin duda, ambos son los dos títulos más bien valorados de la saga. En Alien 3 (1992) dirigida por David Fincher, se nos presenta una antigua colonia siderúrgica reconvertida en un planeta prisión Fury 161, que depende también de la corporación Weyland-Yutacon. En ella vive un reducido grupo de presos masculinos, altamente peligrosos. Es la continuación directa con los hechos sucedidos en Aliens, con Ripley huyendo con la pequeña Newt y el cabo Hicks, pero sin saber que se ha colado un xenomorfo, mientras ellas están en criosueño. Cuando la nave cae en el planeta, los presos descubren que los tripulantes están muertos y solo Ripley sigue viva de milagro, pero el alien ya se ha colado en el complejo. Fincher no tuvo un rodaje fácil por numerosos problemas con guionistas y cambios en dirección, pero aun así la película tiene buenos momentos de tensión. Alien: Resurrection (1997) la dirección fue a cargo del francés Jean_pierre Jeunet, la historia está ambientada pasado 200 años de Alien 3. En esta época del futuro la compañía Weyland ya no existe en sí y ahora todo está controlado por la United Systems Military, que sigue experimentando con los aliens como bio-armas, como es el caso del laboratorio espacial Auriga. A pesar de contar con nombres como Ron Perlman, Winona Ryder y la presencia sorpresa de Sigourney Weaver interpretando a un clon 8 de la teniente Ripley con adn de xenomorfo, aunque la película no termina de encajar en este universo. Finalmente llega Alien: Romulus (2024) siendo una de las películas de terror más esperadas del año, una bocanada de aire fresco que ofrece acción, terror, escenas viscosas y mucha tensión. La saga continua de mano del director uruguayo Fede Álvarez, con experiencia en reboots como Posesión Infernal o La Matanza de Texas, por lo que la casquería y la sangre forman parte de su filmografía, además va acompañado de su colaborador y coguionista habitual Rodo Sayagues. En la producción está el mismísimo Ridley Scott y el diseño del interior de la gran nave satélite nos recuerda mucho al interior de la Nostromo, convirtiéndola en otra ratonera mortal. Alien: Romulus devuelve la esperanza a los fans de la saga, presentando nuevos xenomorfos, más información de la corporación y con una conexión directa con los hechos sucedidos en Alien: El octavo pasajero. La trama de Romulus sucede en el 2132, y Ellen Ripley hizo hecho explotar la nave Nostromo en el 2112, por lo que en los momentos en que sucede la historia de Romulus, Ripley aún sigue perdida a la deriva en estado de hibernación junto al gato Jonesy. De hecho, su nave de emergencia no será localizada hasta el 2169, cuando será rescatada por un equipo de salvamento de la compañía (Aliens: El Regreso), transcurriendo 57 años de congelación. ¿De dónde surge la idea del filme y el título? Una escena eliminada en el filme Aliens: El Regreso inspiró al director, ya que se preguntaba cómo se comportaría un grupo de personas civiles y sin conocimientos militares, a la hora de enfrentarse a los xenomorfos. La escena eliminada en concreto mostraba a un grupo de jóvenes viviendo en la sede de la Compañía, ya que en esas colonias viajaban adultos, adolescentes y niños, y se preguntó cómo se enfrentarían adolescentes a un ataque. Además, cuando en la propia Aliens los militares accedían al recinto colonial, se encontraban el rastro de batalla y sangre de los colonos en LV-426, y sólo localizaban a una niña escondida como única superviviente. Los demás eran cadáveres atrapados como alimento, luego de explosionar sus estómagos. Los fans de la saga siempre se habían preguntado cómo habría sido aquella lucha e intento de resistencia ante el ataque, pero nunca se vio ninguna escena de aquella masacre. El título en latín de algún modo vincula este filme con el mito de la creación de Roma, con la leyenda de los hermanos Rómulo y Remo, que fueron criados por una loba y que se convirtieron en fundadores, como cuenta la historia Rómulo terminó matando a Remo. Debemos recordar que Weyland-Yutani tiene cierta obsesión historia con las civilizaciones antiguas y dentro del canon se utilizan más términos históricos. En este caso hay una estación espacial llamada “Renaissance”, que ha quedado inutilizada, está construida por dos módulos gigantes conectados, uno es el módulo Remo y el otro es Rómulo, nuestros protagonistas por circunstancias ajenas a ellos se verán separados entre ambos módulos y deberán recorrer el inmenso espacio, esquivando abrazacaras y aliens ya formados, para reunificarse y buscar cómo salir con vida. En esta ocasión los protagonistas serán un grupo joven de empleados (o más bien esclavos) de la corporación Weyland-Yutani, que han visto fallecer a sus padres en las minas o por diferentes enfermedades en ese entorno hostil. Ante un futuro con poca esperanza, planean escapar de las garras de la compañía y planean acceder a una antigua estación abandonada, cerca de la órbita de su planeta, para extraer cápsulas de criosueño y viajar a su destino soñado Origae-6 (Un planeta prometido y terraformado más similar a la antigua Tierra). Por primera vez, vemos rechazo, manifestaciones y muchos civiles hartos del abuso y las lamentables condiciones de trabajo que ofrece la todopoderosa compañía, hasta ahora habíamos visto sólo androides o algún alto cargo o representante de Weyland, ahora asistimos a la burocracia y manipulación de subordinados de rango bajo, entendiendo la corrupción y falta de humanidad de afecta forma vertical a toda la corporación. Cuando los jóvenes accedan a la Renaissance descubrirán la verdad, no está en desuso sino que han muerto todos los empleados científicos y militares. Todo ese personal fue en búsqueda de los restos de la nave Nostromo y recuperaron en el espacio el cuerpo fosilizado del alíen, el que Ripley había intentado matar. Una vez accedan a la nave, gracias al uso del sintético que los acompaña, caerán en una ratonera. Sin rastro de ningún superviviente en el inmenso recinto de investigación, mientras buscan las cápsulas para hibernar y baterías para cargarlas, hallarán laboratorios con todo tipo de pruebas genéticas y veremos la cantidad más grande de abrazacaras y aliens de toda la saga (con permiso de Resurrección). Además de la emoción que da reencontrarse con la Nostromo, aunque sea a través de restos flotando en el espacio, volveremos a ver a un personaje clave en la saga, nada menos que un sintético modelo 120 A-2, que igual que Ash tiene el mismo rostro del actor Ian Holm, pero evidentemente digitalizado y no demasiado logrado (por el paso de los años entre los films, y ya sabemos que los androides no envejecen), este nos devolverá a otro momento mítico, al tener medio cuerpo seccionado y corroído por ácido de xenomorfo, vemos todo el su líquido viscoso alrededor pero permitiendo que se conecte a la computadora madre de la nave para informar, o más bien, manipular a los jóvenes polizontes. Los protagonistas son Rain Carradaine (Cailee Spaeny) que ha visto fallecer a sus padres y a la cual la Compañía no le permite abandonar la zona de trabajo, la acompaña su hermano/amigo sintético Andy (David Jonsson) un androide que la familia de Rain recuperó de los escombros y modificó para que seguir una única directriz: protegerla siempre. Andy al no tener actualizaciones del programa no se ve afectado por las normas de la Compañía, además para humanizarlo tiene una programación de chistes malos, que no son demasiado útiles para la supervivencia. Los acompañan Navarro (Aileen Wu) con conocimiento para pilotar naves, el insolente Bjorn (Spike Fearn) que odia a los sintéticos, y los hermanos Tyler (Archie Renaux) y Kay (Isabela Merced), todos con la esperanza de huir al planeta Origae-6. Como sabéis, el ADN de los abrazacaras se mezcla con diferentes especies, y por una circunstancia especial veremos a un nuevo tipo de Xenoformo. Referente a los efectos especiales y la creación de los diversos xenoformos que vemos, en esta ocasión nos encontraremos a aliens interpretados por el americano Trevin Newlin y el jugador de baloncesto rumano Robert Boroczkyi. Ya que el director tenía claro que no quería pantallas verdes ni abusar de efectos, y las prótesis y maquillajes dan ese toque realista y terrorífico a estos seres. El rodaje ha contado con un experto en creación de seres terroríficos, ese es Phil Tippett, conocido por sus criaturas en Parque Jurásico. Hay elementos bastante interesantes en este juego del gato y el ratón, como la purga gravitatoria, el conocimiento de los androides sobre como los abrazacaras detectan el movimiento de los humanos y de nuevo la duda de si debemos confiar en los sintéticos. Volvemos a vivir el horror primigenio y la lucha por la supervivencia en un entorno hostil y con difícil escapatoria, alejándose afortunadamente de la filosofía, existencialismo y reflexión que encontramos en Prometheus y Covenant, que buscaban explicar el origen de la especie humana, la necesidad de sentirse como Dios y la creación de los xenomorfos, pero eran carentes de ritmo y acción, y apenas tenían momentos de terror, y nos mostraron algunas de las muertes más absurdas de la saga (como es el caso de Meredith Vickers interpretada por Charlize Theron), aunque hay que reconocer que Prometheus tenía un inicio impactante y desvelaba muchas cuestiones, carecía de esa atmósfera de terror que siempre ha caracterizado la saga. En cambio, Romulus mantiene el lore de Alien, nos aporta nuevos datos y está llena de acción e imágenes impactantes y sobre todo muchas vísceras, algo que el público reclamaba hacía tiempo. Además de ser un homenaje a los filmes anteriores, con momentos que recrean algunas de las escenas más míticas y encajan perfectamente en la película, manteniendo una estética fiel, el espíritu de Survival terror, y con detalles como el uso de parte de las BSO de anteriores films para conectar escenas y momentos claves, siendo todo un acierto, revisando esta banda sonora vemos títulos como: Entering Nostromo o Prometheus Fire, compuesta por Benjamin Wallfisch, siguiendo a otros compositores de la saga como el gran Jerry Goldsmith. Estamos ante el resurgimiento de Alien, con una dirección que aporta su propio sello pero que demuestra su respeto y conocimiento de este universo terrorífico del cual no podrás escapar, porque en el espacio nadie escuchará tus gritos.

IN A VIOLENT NATURE: Desde la mirada del asesino

¿Hasta qué punto es importante el gore en una película de terror? Es un ingrediente común que va zizagueando en la historia del género, normalmente dependiendo del movimiento oscilante que tiende a complacer o repeler según el momento concreto de una época. Ahora, llega In a Violent Nature (De naturaleza violenta), un slasher desde el punto de vista del asesino que se postula como un experimento con algunas de las muertes más brutales vistas en el género en años. Esta propuesta ha dado vueltas por festivales, causando cierto revuelo en Sundance, un foro en el que hace años nadie hubiera esperado encontrar una especie de secuela intelectual de ‘Viernes 13’ que ha sorprendido por sus elaboradas escenas de asesinato y sangre sin coartadas. Una de ellas en especial no tiene nada que se le parezca en el cine, o al menos que hayamos visto en un empaque comercial de estas características. Pero lo que sugiere este experimento indie es un reflejo más o menos realista de lo que sería un slasher arquetípico, con los estilemas de los clásicos de los 80, pero aparentemente siguiendo todo el rato al Michael Krueger de turno con todo lo que conlleva, es decir una mirada desinteresada en la acción, el misterio, la sorpresa y los sustos que se apoya en la experiencia previa del espectador en el género de los campamentos de verano con maníacos sueltos. No hace falta hurgar demasiado en las reglas de estas películas para concluir que uno de los ingredientes imprescindibles son los momentos en los que los adolescentes caen como moscas en manos del arma del asesino, no hay que justificarlo, ni dar cuentas a nadie, pagamos la entrada para ello y hay una especie de contrato social invisible que hace que nadie se mire raro dentro de la sala, nadie juzga y se lleva a un punto común de que cuanto más burda sea la mutilación, más divertida es la experiencia. Por ello no hay mucha exploración de estos lugares comunes, que todo el mundo puede acusar de clichés, y el receptor va a seguir esperando el siguiente machetazo. Y hay en In a Violent Nature una aparente complicidad inicial con esos espectadores que quieren ver lo de siempre, pero con el interés de buscar debajo de la alfombra y encontrar alguna motivación en el ritual, sin dejar de ofrecer algunas de las muertes más salvajes vistas en el género. Son brutales, bastante abundantes y hechas con efectos tradicionales, algo que ni la alabada ‘Malignant’ lograba, con su hemoglobina digital. La forma de presentarlas aquí es seca e implacable, donde su impacto se multiplica al no tener música extradiegética, con una rígida disciplina narrativa cercana al found footage. De hecho, salvo su componente de falso documental meta y el emplazamiento, en esencia no se diferencia tanto de ‘Behind the Mask: The rise of Leslie Vernon’, pero aquí la dirección pone en la posición de observador al espectador a un nivel íntimo siguiendo de cerca al ser que merodea por el bosque. Pero en su consecución parece que no hay una sensación contagiosa, ocurren porque está dentro del contrato del subgénero. Uno de los pósters de la película es un referencia directa a uno de los mejores slashers olvidados de los 80, con un asesino de maneras no muy diferentes, detalles que implican una referencialidad constante codificada por un humor autoconsciente muy cerrado, y de hecho el protagonista es una mezcla de varios villanos del slasher de esos años, entre el aspecto de ‘Sangriento San Valentín’ o el Jason de ‘Viernes 13’. La premisa de aguantar su punto de vista, por otra parte, se acaba rompiendo a conveniencia, especialmente en el tramo final, pero en los momentos que sí lo hace pierde diversas oportunidades de jugar con el conocimiento de los mecanismos del género, quedando como un aburrido corre corre que te pillo en el que no hay un verdadero diálogo con el espectador, no hay nudos, crescendo o tensión, solo “frío frío, caliente caliente” conforme el encapuchado se acerca a los jóvenes, el mismo suspense que ver jugar a alguien a un videojuego sin que te pasen nunca el mando. El verdadero problema es ese revisionismo cínico que parece querer estar por encima del espectáculo gore que propone, derivando en este caso en un tercer acto plano, incomprensiblemente anticlimático, que llega como si el alcohol se acabará en el mejor momento de la fiesta. Algo que si bien no invalida todo lo anterior, cambia la experiencia en conjunto, no queda claro si los cineastas buscan hacer un homenaje fallido a las final girls, crear una tensión nunca resuelta o se quedan sin ideas. Una coda aburrida y decepcionante que deja claras las intenciones reflexivas ya que se podían ir captando. La primera pregunta es si tiene sentido la presencia del propio splatter en el contexto de una sesión golfa con monóculo y pocas ganas de elevar la apuesta más allá de lo que consigue en el minuto 60, la siguiente cuestión tiene que ver con la propia intención del conjunto más allá del propósito de exhibición de las habilidades del director para seguir con la cámara a un personaje como si estuviera haciendo una especie de parodia atolondrada de ‘Elephant’ de Gus Van Sant. Pero en In a Violent Nature no hay ningún trasfondo sobre la espontaneidad de la violencia en la naturaleza humana, ni el ultrarrealismo busca una documentación de una tragedia, ni quiera parece una parodia de estas, por lo que su idea se queda en una broma de amigos que podría haber ido más allá, quizá una gran idea para un videoclip de alguno de los grupos de garaje mustio que escuchan los protagonistas a la luz de la hoguera. Pero como slasher, a veces aburre, incluso en alguno de sus asesinatos parece retroceder a la crueldad de la época torture porn, estirando lo que sabemos que va a ocurrir hasta lo desagradable y sin intención provocadora, un ejercicio plano de intelectualizar un género que no lo necesita, bien empaquetado y presentado para crear conversaciones de puesta en escena en podcasts y revistas de cine que, si no tienen una coartada erudita para disfrutar de una película de adolescentes descuartizados por un homicida inmoral, jamás se plantearían hablar de ella. Por cierto, tras su reciente estreno en cines, no ha tenido muy buenos resultados en cuanto a críticas por parte del público, por lo que si estás esperando para verla en casa mediante streaming, no deberíamos esperarla hasta por lo menos los próximos meses de septiembre u octubre.

THE FIRST OMEN: El renacer de una saga que parecía agotada

Como sabéis, junto con El exorcista (1973) de William Friedkin, La profecía (1976) es uno de los auténticos clásicos del cine de terror satánico. Dirigida por Richard Donner, nos cuenta la historia de un diplomático (Gregory Peck) que sospecha que su hijo Damien (Harvey Stevens) es quizás el mismísimo Anticristo. Contra todos los pronósticos (la segunda parte de El exorcista fue todo un fiasco), la secuela de La profecía, dirigida por Don Taylor en 1978 y protagonizada por William Holden, logra mantener (más no equiparar) a la inolvidable y genuinamente aterradora cinta de Donner, mostrándonos a Damien (Jonathan Scott Taylor), ahora estudiante de un internado, intentando cumplir con su misión de instaurar el apocalipsis. La tercera parte de La profecía, conocida también como El conflicto final y dirigida por Graham Baker, es la más débil de la trilogía, pero igual llega a ser una buena película. En ella Damien, ya adulto (Sam Neill) busca convertirse en el presidente de los Estados Unidos. Luego de la exitosa trilogía, vino la decadencia de la saga. Presentada en televisión estadounidense y estrenada en cines en el resto del mundo, La profecía IV: El despertar (1991) de Jorge Montesi, es un burdo remedo de la cinta original, solo que en ella se nos muestra a un nuevo anticristo, esta vez encarnado en una niña llamada Delia (Asia Vieira), la hija de Damien. Pero la peor de todas fue un horrible reboot del 2006 dirigido por John Moore y protagonizado por Liev Schreiber, que bien puede equipararse a la última entrega de El exorcista estrenada el año pasado. Así de mala es. Y no me hagan hablar de la esperpéntica serie Damien . Todo parecía indicar que La profecía ya estaba finiquitada. Pero al menos no fue así. Los amantes del buen cine de terror y de la trilogía original (especialmente de la cinta de Donner), teníamos serias dudas con la idea de una precuela (El exorcista la tuvo y no salió muy bien que digamos). Richard Donner, el director ideal para realizarla, falleció en el 2021 a la edad de 91 años y aparece entonces Arkasha Stevenson como la persona encargada de asumir el proyecto y su hoja de vida incluía varios capítulos de la serie antológica de terror Channel Zero, de la injustamente cancelada Briarpatch y de Legion, la mejor serie de superhéroes hasta la fecha. La primera profecía iba a ser su primer largometraje y los augurios no eran para nada optimistas. No hay nada como una gran sorpresa para los cinéfilos acostumbrados a secuelas y precuelas innecesarias y a la explotación excesiva de franquicias de antaño. Stevenson logró algo casi imposible: hacer una precuela tan exquisita y aterradora como la cinta original de Donner. Sí, es verdad. La primera profecía es todo un triunfo dentro del cine de terror. La historia escrita por Stevenson, su colega en Channel Zero, Tim Smith y Keith Thomas (guionista y director del horrendo remake de Firestarter), nos lleva de vuelta a 1971 antes del nacimiento de Demian, cuando la novicia estadounidense Margaret (Nell Tiger Free de Juego de tronos) llega a Roma para comenzar una vida de servicio religioso. El cardenal Lawrence (nada menos que Bill Nighy) la recibe con los brazos abiertos y le dice que él siempre creyó que ella estaba destinada para cosas grandes (si esta cinta tiene una debilidad, es en su giro poco sorpresivo). Margaret está dispuesta a entregarse a Dios trabajando en un orfanato, pero empiezan a surgir cosas que la desvían de su camino. Primero está Luz (María Caballero), la novicia con la que comparte su habitación y que la tienta con ir una noche de baile y juerga. Luego están la Hermana Silva (Sonia Braga) y la hermana Angélica (Ishtar Currie-Wilson imitando a Mia Goth), dos monjas siniestras. Además, la novicia ha notado que una de las chicas está siendo apartada por sus ataques epilépticos y sus dibujos extraños. Esa niña le recuerda a Margaret la niña rebelde, excéntrica y problemática que ella solía ser, y cuanto más se acerca a la niña e investiga lo que podría estar sucediendo, más se da cuenta de que algo impío está en juego. Para aquellos que conocemos dónde y cómo comienza la original de Richard Donner, está claro que Damien está en camino y nadie podrá evitarlo. Eso incluye al Padre Harris (Charles Dance) y el Padre Brennan (Ralph Ineson), quien le advierte a Margaret del peligro inminente, pero los amantes de la cinta original ya conocemos su fatídico destino. El exquisito diseño de producción de Eve Stewart (La chica danesa), la fotografía de Aaron Morton (Evil Dead) que captura la atmósfera lograda por Donner, la música disonante de Mark Korven (The Witch, The Lighthouse) y los suntuosos diseños de vestuario de Paco Delgado (John Wick 4) ayudan a que todo se sienta elegante y perturbador, y a que algunas secuencias que remedan la primera parte se sientan de alguna manera originales. La primera profecía es todo menos una película barata de terror. Quienes sean sensibles a escenas de partos y embarazos deberán estar preparados para unas escenas altamente perturbadoras, pero que nunca llegan a perder elegancia. Al final, todo apunta a que vamos a tener otra precuela o secuela de la cinta. Si las cosas siguen como en esta sólida entrega, que así sea.